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Family Laughing Together
Family Laughing Together is a heartwarming and faith-filled collection of five original stage plays designed for community theaters, church groups, youth ministries, and family audiences.Blending humor, real-life struggles, and Christian values, this engaging anthology offers performances that are both entertaining and meaningful.Inside this collection:A delightful children's Christmas play that captures the wonder of Santa's visitA comedic sketch about consequences and responsibilityA fast-paced family riddle game full of clean humorA powerful teen drama about pregnancy, accountability, and redemptionA moving story confronting alcohol abuse, forgiveness, and faithEach play is written for flexible staging with minimal props, making them ideal for churches, schools, and small theater groups. Themes of forgiveness, responsibility, faith in God, and family unity run throughout every story.Whether you are looking for uplifting holiday entertainment, youth group material, or discussion-driven drama, Family Laughing Together provides wholesome content that encourages laughter, healing, and hope.Perfect for:Church drama ministriesYouth groupsChristian schoolsCommunity theatersFamily-centered productionsThis collection reminds audiences that even in life's hardest moments, faith and family can light the way forward.
€ 21,10 -
Michel Strogoff
€ 28,50 -
Mon Å'uvre!
Mon Å'uvre! Comédie En Trois Actes, written by Georges Berr and Louis Verneuil, is a delightful example of early 20th-century French comedic drama. This three-act play, originally published in 1920, showcases the wit and humor characteristic of the era. "Mon Å'uvre!" offers readers a glimpse into the theatrical landscape of post-World War I France, providing both entertainment and cultural insight. Suitable for students of French literature and enthusiasts of classic theater, this play remains a testament to the enduring appeal of French comedy. This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it. This work was reproduced from the original artifact, and remains as true to the original work as possible. Therefore, you will see the original copyright references, library stamps (as most of these works have been housed in our most important libraries around the world), and other notations in the work. This work is in the public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work. As a reproduction of a historical artifact, this work may contain missing or blurred pages, poor pictures, errant marks, etc. Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.
€ 31,00 -
Mon Å'uvre!
Mon Å'uvre! Comédie En Trois Actes, written by Georges Berr and Louis Verneuil, is a delightful example of early 20th-century French comedic drama. This three-act play, originally published in 1920, showcases the wit and humor characteristic of the era. "Mon Å'uvre!" offers readers a glimpse into the theatrical landscape of post-World War I France, providing both entertainment and cultural insight. Suitable for students of French literature and enthusiasts of classic theater, this play remains a testament to the enduring appeal of French comedy. This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it. This work was reproduced from the original artifact, and remains as true to the original work as possible. Therefore, you will see the original copyright references, library stamps (as most of these works have been housed in our most important libraries around the world), and other notations in the work. This work is in the public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work. As a reproduction of a historical artifact, this work may contain missing or blurred pages, poor pictures, errant marks, etc. Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.
€ 20,00 -
La casa del tahúr
La casa del tahúr es una comedia moral de Antonio Mira de Amescua que aborda el tema del vicio del juego. En ella, el dramaturgo censura de manera enérgica el mundo del juego, un tema acuciante en su época y que sigue teniendo relevancia en la sociedad actual. La obra comienza con una boda, en la que Alejandro, el tahúr, y Isabela, su esposa, se encuentran en su luna de miel. Sin embargo, desde el inicio, se vislumbra que su matrimonio está en peligro debido a la obsesión de Alejandro con el juego.El diálogo entre Marcelo y Alejandro establece el conflicto central de la obra. Marcelo critica a este último por su doble vida, dividido entre el amor y el juego. Así intenta, en vano, encontrar una solución al problema que consume a Alejandro, y considera que el matrimonio con Isabela podría ser la clave para salvarlo de su vicio. Sin embargo, incluso en este momento temprano, el destino del matrimonio parece sombrío, y Marcelo, consciente de su mortalidad inminente, expresa su desesperanza al final del acto.La obra se centra en la lucha de Isabela por salvar su matrimonio y la resistencia de Alejandro a abandonar su vicio. A través de esta dinámica, Mira de Amescua cuestiona y critica las normas sociales y morales relacionadas con el juego. La obra resalta la vulnerabilidad de las relaciones humanas ante los vicios y cómo estos pueden destruir no solo al individuo sino también a su entorno más cercano.La complejidad moral de los personajes agrega profundidad a la obra. Isabela representa la virtud y la estabilidad, en contraposición a Alejandro, quien personifica la impulsividad y el vicio. Sin embargo, ambos personajes son víctimas de una sociedad que permite y a menudo fomenta actividades como el juego. En este sentido, La casa del tahúr es tanto un drama personal como una crítica social.El lenguaje utilizado en la obra es elegante y el diálogo es agudo, lo que contribuye a la construcción de personajes multidimensionales. La tensión entre los personajes y la progresión de la trama mantienen el interés del espectador o lector hasta el final.La casa del tahúr es una obra que combina elementos de comedia y drama para explorar un tema moralmente complejo.
€ 22,50 -
El caballero sin nombre
La comedia El caballero sin nombre de Antonio Mira de Amescua es una obra que se estima fue compuesta entre 1605 y 1616, aunque su primera edición data de 1640. La obra parece inspirarse en la leyenda de la familia Cabezas, en la que el fundador se hacía llamar el caballero sin nombre.Desde el punto de vista escenográfico, la obra destaca por su habilidad para crear una diversidad de espacios sin necesidad de dispositivos complejos. Los cuadros escenográficos evolucionan a lo largo de los tres actos de la obra, alterando no solo a los personajes sino también elementos como la luz, el espacio y el ritmo de la narrativa.En la primera jornada, la obra nos introduce a los personajes de don Gonzalo y don Sancho, hermanos que se disputan el honor y el valor. Este acto establece la dinámica de conflicto entre los dos, donde cada uno se considera superior al otro en diferentes aspectos. Mientras que don Sancho se considera el mayor en términos de nacimiento y herencia material, don Gonzalo se ve a sí mismo como el heredero del valor y el honor, considerándolos más importantes.La riqueza de los diálogos en esta obra es notable, abordando temas de honor, valor, y herencia familiar de manera profunda y compleja. Los personajes articulan sus puntos de vista con elocuencia, utilizando argumentos sólidos que reflejan las preocupaciones sociales y éticas de la época. Don Gonzalo, por ejemplo, argumenta que ha heredado algo más valioso que la riqueza material, que es el honor y el valor, y que esto lo hace mayor en un sentido moral y ético.La obra también destaca por su habilidad para mezclar elementos de comedia y drama, lo que permite una exploración más matizada de sus temas centrales. La tensión entre los hermanos sirve tanto como fuente de conflicto como de introspección, lo que añade una capa de complejidad a la narrativa.El caballero sin nombre explora temas profundos como el honor, el valor y la herencia, con una puesta en escena dinámica y diálogos elocuentes. Su enfoque en la complejidad moral y social de sus personajes la convierte en una obra relevante que va más allá de su contexto histórico, ofreciendo reflexiones que siguen siendo pertinentes hoy en día.
€ 20,60 -
El mártir de Madrid
El mártir de Madrid entra dentro del grupo de comedias de asunto devoto de Mira de Amescua. Trata de la apostasía de un caballero cristiano, de su vida criminal entre los moros, de la llamada de la gracia y de su muerte en una cruz.No hay dudas acerca de su autoría. La fecha, no obstante, es más difícil de delimitar, aunque tuvo que rondar el año de 1619, fecha de la primera de las licencias de representación.
€ 20,60 -
Los balcones de Madrid
Los balcones de Madrid es una comedia de capa y espada que, aunque ha sido tradicionalmente atribuida al dramaturgo del Siglo de Oro español, Tirso de Molina, algunas fuentes plantean dudas sobre su autenticidad debido a ciertas características estilísticas y temáticas que se desvían de las obras reconocidas de Tirso.El tema central de Los balcones de Madrid es la afirmación del derecho de la mujer a elegir a su propio marido, una idea progresista para su tiempo. A través de un juego de equívocos y engaños, las mujeres de la obra maniobran dentro de las restricciones de su sociedad para asegurar sus propios destinos matrimoniales, una trama que desafía las normas convencionales y pone de relieve la capacidad de las mujeres para tomar decisiones sobre su propia vida.
€ 20,60 -
Lo que puede el oír misa
Lo que puede el oír misa es una obra teatral de Antonio Mira de Amescua, dramaturgo español del Siglo de Oro. En esta comedia de carácter religioso, el autor presenta una trama que juega con los conceptos de apariencia y ocultación de la realidad.La historia se enfoca en el poder de la asistencia a misa y su impacto en la vida de los personajes. El recurso de suplantar una personalidad humana con una entidad sobrenatural añade un elemento de intriga y misterio, amplificando la tensión dramática de la obra.En la tradición de las comedias del Siglo de Oro, Lo que puede el oír misa se caracteriza por su lenguaje lírico y poético, así como por su tratamiento de temas religiosos y morales. En su tiempo, esta obra habría servido no solo para entretener, sino también para instruir a la audiencia sobre la importancia de la asistencia a misa y la vida espiritual.
€ 20,60 -
El arpa de David
El arpa de David es una de las comedias religiosas del dramaturgo Antonio Mira de Amescua. La trama se articula en torno al episodio bíblico de David, joven pastor que cura al rey Saúl de su enfermedad y salva al reino con la matanza de un enorme gigante.No hay dudas acerca de la autoría de El arpa de David, pero sí las hay acerca de su datación: a partir del estudio métrico, se cree que se trata de unas de las primeras obras del autor y que fue escrita entre 1610 y 1613.
€ 22,50 -
El esclavo del demonio
El esclavo del demonio es una obra maestra del teatro barroco español, escrita por Antonio Mira de Amescua. Se destaca como una de las mejores comedias religiosas de la España del Siglo de Oro. La trama se centra en la leyenda de frey Gil de Santarem, un monje portugués que, hastiado de la vida ascética, decide hacer un pacto con el Diablo para obtener poderes en la nigromancia, vendiéndole su alma en el proceso.La obra es una revisión barroca de la leyenda faústica, que existe desde el siglo VI, pero que alcanzó gran popularidad en diferentes variantes a lo largo de los siglos. La versión de Mira de Amescua se adelanta incluso a la interpretación más famosa del mito por Goethe. El texto habla del conflicto entre el bien y el mal, la tentación, y la búsqueda de poder a cualquier costo, todo ello enmarcado en un contexto religioso y moral.La primera jornada introduce a Marcelo, un hombre mayor, y sus hijas Lisarda y Leonor. Este fragmento nos da una idea de los valores y las preocupaciones que guían a los personajes en la obra. Marcelo, reflexionando sobre las estaciones de la vida y su propia mortalidad, busca asegurar el futuro de sus hijas: una a través del matrimonio y la otra a través de la vida religiosa. Estas elecciones de vida, que parecen simples en la superficie, adquieren un significado más profundo en el contexto de una obra que explora las consecuencias eternas de las decisiones terrenales.Lo notable de esta obra es cómo utiliza la estructura y los tropos de la comedia para tratar temas espirituales y éticos de gran peso. La dicotomía entre la vida mundana y la vida espiritual se presenta no solo a través del personaje del monje portugués sino también en los personajes secundarios, quienes, cada uno a su manera, enfrentan elecciones morales que reflejan las tensiones más amplias entre el bien y el mal, el deber y el deseo, y la vida terrenal y la eterna.El esclavo del demonio es una obra compleja y rica que utiliza la lente del drama religioso para explorar cuestiones universales sobre la condición humana. Su enfoque en los dilemas morales y espirituales de sus personajes, así como su habilidad para mezclar elementos de la comedia y la tragedia, la convierten en una de las obras más destacadas del teatro español del Siglo de Oro.
€ 22,40 -
El conde Alarcos
El conde Alarcos es un argumento medieval que ha múltiples versiones. Captura el interés de los amantes del teatro, y también de aquellos apasionados por el estudio de las transformaciones culturales a través del tiempo. La trama tiene su origen en un romance anónimo y ha sido objeto de adaptaciones por parte de reconocidos autores como Guillén de Castro, Lope de Vega, Antonio Mira de Amescua y José Jacinto Milanés.Lope de Vega, en su versión titulada La fuerza lastimosa, cambia el escenario a Irlanda y atribuye un apellido diferente a su conde, subrayando la flexibilidad del material original para adaptarse a diferentes contextos geográficos y temporales. Antonio Mira de Amescua, por su parte, sitúa la acción en la corte francesa, añadiendo una pátina de sofisticación y política de corte a la trama. Milanés opta por ambientar su versión en el siglo XII, lo que da un aire histórico y quizá más auténtico a la obra.Cada autor aporta su propio giro y enfoque, mostrando cómo un solo tema puede ser interpretado de múltiples maneras, dependiendo del lente cultural y temporal a través del cual se vea. Estas diferentes interpretaciones no solo ofrecen distintas perspectivas sobre la narrativa, sino que también reflejan las preocupaciones y estilos de las épocas en que fueron escritas.El conde Alarcos y sus diversas versiones nos ofrecen un rico tapiz de adaptaciones que desafían y enriquecen nuestro entendimiento de la obra. Cada adaptación lleva consigo las huellas de su tiempo y del autor que la reinventa, convirtiendo a El conde Alarcos en una especie de espejo literario donde se reflejan distintas facetas de la historia y la cultura.El conde Alarcos es un tesoro literario que trasciende el tiempo y el espacio. Sus múltiples versiones son un testimonio de su apelativo universal y su capacidad para adaptarse y resonar en distintos contextos. Para cualquiera interesado en el poder del storytelling y la adaptabilidad de las narrativas a través del tiempo, esta obra y sus diversas interpretaciones son una lectura obligatoria.La trama del Romance del conde Alarcos se resume en este fragmento del poema:Prometistes a la infantalo que ella no os pedía,de siempre ser su marido,y a ella que le placía.Si a otras cosas pasastesno entro en esa porfíaOtra cosa os digo, conde,de que más os pesaría:que matéis a la condesaque así cumple a la honra mía:echéis fama que es muertade cierto mal que tenía,y tratarse ha el casamientocomo cosa no sabida,porque no sea deshonradahija que tanto quería.La condesa muere estrangulada, pero antes de morir lanza un maleficio que acaba con las vidas del rey, la infanta despechada y su propio marido.
€ 20,40