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La casa del tahúr
La casa del tahúr es una comedia moral de Antonio Mira de Amescua que aborda el tema del vicio del juego. En ella, el dramaturgo censura de manera enérgica el mundo del juego, un tema acuciante en su época y que sigue teniendo relevancia en la sociedad actual. La obra comienza con una boda, en la que Alejandro, el tahúr, y Isabela, su esposa, se encuentran en su luna de miel. Sin embargo, desde el inicio, se vislumbra que su matrimonio está en peligro debido a la obsesión de Alejandro con el juego.El diálogo entre Marcelo y Alejandro establece el conflicto central de la obra. Marcelo critica a este último por su doble vida, dividido entre el amor y el juego. Así intenta, en vano, encontrar una solución al problema que consume a Alejandro, y considera que el matrimonio con Isabela podría ser la clave para salvarlo de su vicio. Sin embargo, incluso en este momento temprano, el destino del matrimonio parece sombrío, y Marcelo, consciente de su mortalidad inminente, expresa su desesperanza al final del acto.La obra se centra en la lucha de Isabela por salvar su matrimonio y la resistencia de Alejandro a abandonar su vicio. A través de esta dinámica, Mira de Amescua cuestiona y critica las normas sociales y morales relacionadas con el juego. La obra resalta la vulnerabilidad de las relaciones humanas ante los vicios y cómo estos pueden destruir no solo al individuo sino también a su entorno más cercano.La complejidad moral de los personajes agrega profundidad a la obra. Isabela representa la virtud y la estabilidad, en contraposición a Alejandro, quien personifica la impulsividad y el vicio. Sin embargo, ambos personajes son víctimas de una sociedad que permite y a menudo fomenta actividades como el juego. En este sentido, La casa del tahúr es tanto un drama personal como una crítica social.El lenguaje utilizado en la obra es elegante y el diálogo es agudo, lo que contribuye a la construcción de personajes multidimensionales. La tensión entre los personajes y la progresión de la trama mantienen el interés del espectador o lector hasta el final.La casa del tahúr es una obra que combina elementos de comedia y drama para explorar un tema moralmente complejo.
€ 22,50 -
No hay dicha ni desdicha hasta la muerte
No hay dicha ni desdicha hasta la muerte es una obra teatral de Antonio Mira de Amescua, dramaturgo del Siglo de Oro español. La obra explora el tema de los vaivenes de la fortuna y cómo estos pueden cambiar drásticamente el curso de la vida de una persona.A pesar de ser una obra de ficción, No hay dicha ni desdicha hasta la muerte se sitúa en un trasfondo histórico real, durante las luchas entre los hijos de Alfonso III de Asturias. A través de este contexto, la obra proporciona una mirada al pasado histórico de España, permitiendo a los espectadores comprender mejor las dinámicas y tensiones que existían en esa época.La obra destaca por su habilidad para combinar elementos de drama histórico con reflexiones filosóficas sobre la naturaleza de la fortuna y la felicidad. Esta mezcla de drama e introspección es una característica del teatro de Mira de Amescua, que se distingue por su enfoque en los dilemas morales y las cuestiones de la vida y la muerte.
€ 16,80 -
Los balcones de Madrid
Parte II€ 22,50 -
El caballero sin nombre
€ 24,95 -
La próspera fortuna de don Álvaro de Luna
La próspera fortuna de don Álvaro de Luna relata la historia de Álvaro, nacido en Cañete (Cuenca) a finales del siglo XIV. Hijo bastardo de Álvaro Martínez de Luna, copero mayor del rey Enrique III, y de María Fernández de Jarana; casada con el alcaide de la fortaleza de Cañete. A los catorce y entró en el servicio de su tío, Pedro de Luna, arzobispo de Toledo, y más tarde papa, con el nombre de Benedicto XIII. Su padre estaba, además, emparentado con María de Luna, reina de Aragón.A los dieciocho años entró en la corte de Juan II Trastámara en calidad de paje. En 1419, tras ser entronizado Juan II, los infantes de Aragón conspiraron contra éste para expandir sus posesiones en Castilla. Álvaro se casó en 1420 con doña Elvira de Portocarrero. Y Juan II decidió casar a su hermana la infanta Catalina con Enrique de Aragón para intentar convertirlo en su aliado. Mira de Amescua escribió obras de teatro inspiradas en la historia de España influido por Lope de Vega, acumulando numerosos personajes y acciones en una misma comedia. Sus argumentos son complicados y su estilo pretende la ornamentación del culteranismo.
€ 16,80 -
El mártir de Madrid
El mártir de Madrid entra dentro del grupo de comedias de asunto devoto de Mira de Amescua. Trata de la apostasía de un caballero cristiano, de su vida criminal entre los moros, de la llamada de la gracia y de su muerte en una cruz.No hay dudas acerca de su autoría. La fecha, no obstante, es más difícil de delimitar, aunque tuvo que rondar el año de 1619, fecha de la primera de las licencias de representación.
€ 20,60 -
Los balcones de Madrid
Parte I€ 24,95 -
Lo que puede el oír misa
€ 24,95 -
El arpa de David
El arpa de David es una de las comedias religiosas del dramaturgo Antonio Mira de Amescua. La trama se articula en torno al episodio bíblico de David, joven pastor que cura al rey Saúl de su enfermedad y salva al reino con la matanza de un enorme gigante.No hay dudas acerca de la autoría de El arpa de David, pero sí las hay acerca de su datación: a partir del estudio métrico, se cree que se trata de unas de las primeras obras del autor y que fue escrita entre 1610 y 1613.
€ 22,50 -
El esclavo del demonio
El esclavo del demonio es una obra maestra del teatro barroco español, escrita por Antonio Mira de Amescua. Se destaca como una de las mejores comedias religiosas de la España del Siglo de Oro. La trama se centra en la leyenda de frey Gil de Santarem, un monje portugués que, hastiado de la vida ascética, decide hacer un pacto con el Diablo para obtener poderes en la nigromancia, vendiéndole su alma en el proceso.La obra es una revisión barroca de la leyenda faústica, que existe desde el siglo VI, pero que alcanzó gran popularidad en diferentes variantes a lo largo de los siglos. La versión de Mira de Amescua se adelanta incluso a la interpretación más famosa del mito por Goethe. El texto habla del conflicto entre el bien y el mal, la tentación, y la búsqueda de poder a cualquier costo, todo ello enmarcado en un contexto religioso y moral.La primera jornada introduce a Marcelo, un hombre mayor, y sus hijas Lisarda y Leonor. Este fragmento nos da una idea de los valores y las preocupaciones que guían a los personajes en la obra. Marcelo, reflexionando sobre las estaciones de la vida y su propia mortalidad, busca asegurar el futuro de sus hijas: una a través del matrimonio y la otra a través de la vida religiosa. Estas elecciones de vida, que parecen simples en la superficie, adquieren un significado más profundo en el contexto de una obra que explora las consecuencias eternas de las decisiones terrenales.Lo notable de esta obra es cómo utiliza la estructura y los tropos de la comedia para tratar temas espirituales y éticos de gran peso. La dicotomía entre la vida mundana y la vida espiritual se presenta no solo a través del personaje del monje portugués sino también en los personajes secundarios, quienes, cada uno a su manera, enfrentan elecciones morales que reflejan las tensiones más amplias entre el bien y el mal, el deber y el deseo, y la vida terrenal y la eterna.El esclavo del demonio es una obra compleja y rica que utiliza la lente del drama religioso para explorar cuestiones universales sobre la condición humana. Su enfoque en los dilemas morales y espirituales de sus personajes, así como su habilidad para mezclar elementos de la comedia y la tragedia, la convierten en una de las obras más destacadas del teatro español del Siglo de Oro.
€ 22,40 -
El conde Alarcos
El conde Alarcos es un argumento medieval que ha múltiples versiones. Captura el interés de los amantes del teatro, y también de aquellos apasionados por el estudio de las transformaciones culturales a través del tiempo. La trama tiene su origen en un romance anónimo y ha sido objeto de adaptaciones por parte de reconocidos autores como Guillén de Castro, Lope de Vega, Antonio Mira de Amescua y José Jacinto Milanés.Lope de Vega, en su versión titulada La fuerza lastimosa, cambia el escenario a Irlanda y atribuye un apellido diferente a su conde, subrayando la flexibilidad del material original para adaptarse a diferentes contextos geográficos y temporales. Antonio Mira de Amescua, por su parte, sitúa la acción en la corte francesa, añadiendo una pátina de sofisticación y política de corte a la trama. Milanés opta por ambientar su versión en el siglo XII, lo que da un aire histórico y quizá más auténtico a la obra.Cada autor aporta su propio giro y enfoque, mostrando cómo un solo tema puede ser interpretado de múltiples maneras, dependiendo del lente cultural y temporal a través del cual se vea. Estas diferentes interpretaciones no solo ofrecen distintas perspectivas sobre la narrativa, sino que también reflejan las preocupaciones y estilos de las épocas en que fueron escritas.El conde Alarcos y sus diversas versiones nos ofrecen un rico tapiz de adaptaciones que desafían y enriquecen nuestro entendimiento de la obra. Cada adaptación lleva consigo las huellas de su tiempo y del autor que la reinventa, convirtiendo a El conde Alarcos en una especie de espejo literario donde se reflejan distintas facetas de la historia y la cultura.El conde Alarcos es un tesoro literario que trasciende el tiempo y el espacio. Sus múltiples versiones son un testimonio de su apelativo universal y su capacidad para adaptarse y resonar en distintos contextos. Para cualquiera interesado en el poder del storytelling y la adaptabilidad de las narrativas a través del tiempo, esta obra y sus diversas interpretaciones son una lectura obligatoria.La trama del Romance del conde Alarcos se resume en este fragmento del poema:Prometistes a la infantalo que ella no os pedía,de siempre ser su marido,y a ella que le placía.Si a otras cosas pasastesno entro en esa porfíaOtra cosa os digo, conde,de que más os pesaría:que matéis a la condesaque así cumple a la honra mía:echéis fama que es muertade cierto mal que tenía,y tratarse ha el casamientocomo cosa no sabida,porque no sea deshonradahija que tanto quería.La condesa muere estrangulada, pero antes de morir lanza un maleficio que acaba con las vidas del rey, la infanta despechada y su propio marido.
€ 20,40 -
Galán, valiente y discreto
Galán, valiente y discreto es una obra de teatro del dramaturgo Antonio Mira de Amescua que pertenece al género palaciego. Escrita en torno al año 1632, la obra disfrutó de un gran éxito en su época, como lo demuestra la cantidad de ediciones que se imprimieron en el siglo XVIII. Además, cuenta con un soneto de otro grande del Siglo de Oro español, Pedro Calderón de la Barca.La obra se abre con una conversación entre Porcia y Serafina, dos mujeres que discuten sobre el matrimonio y las presiones sociales que recaen sobre las mujeres para que se casen. La conversación se desarrolla en un tono melancólico, marcado por la reciente muerte del hermano de Serafina y su herencia del ducado de Mantua. Su reticencia a casarse y la posibilidad de tomar una mala decisión en la elección de un esposo son temas que resuenan en el diálogo.El drama toma un giro inesperado con la entrada de Elisa y Flores, un gracioso que aporta un toque de humor y absurdo a la escena. Flores, con su comportamiento excéntrico y preguntas absurdas, se convierte en un contrapunto cómico a la seriedad y melancolía que rodean a Serafina. Su aparición en la obra, aparte de aligerar el tono, plantea la cuestión de la cordura y la locura, un tema recurrente en la literatura del Siglo de Oro.La obra destaca por su habilidad para mezclar elementos de la comedia y el drama, abordando temas serios como la muerte, la herencia y las expectativas sociales, mientras introduce personajes cómicos y situaciones humorísticas que equilibran el tono. Este equilibrio entre los elementos cómicos y dramáticos es una de las razones del éxito sostenido de la obra.Galán, valiente y discreto es una obra rica y compleja que ofrece una visión matizada de las normas sociales y las expectativas de género en el Siglo de Oro español. Su éxito en su tiempo y las múltiples ediciones que vieron la luz en los siglos posteriores son testimonio de su calidad y su relevancia duradera. Es una obra que, sin duda, merece ser leída y estudiada para entender mejor la complejidad y la riqueza del teatro del Siglo de Oro español.
€ 18,70